芸術形式の解説
歌舞伎とは？その起源と二つの演技様式
歌舞伎は1603年、京都の川原で始まり、荒事と和事という二つの様式に分かれました。この数世紀にわたる様式化された演劇が、実際に舞台上でどのように機能するのかをご紹介します。
歌舞伎座のチケットをGetYourGuideで見る ↗河床から生まれた演劇形式
歌舞伎の起源は、伝統的に1603年頃とされています。この年、出雲の阿国という名の演者が、京都の鴨川の乾いた河原で型破りな舞を披露し始めたのです。彼女の一座は、舞と寸劇、そして人目を引く衣装を融合させ、そのスタイルは当時の京都の庶民の間で瞬く間に大人気となりました。これは、当時すでに存在していた、より格調高く貴族の庇護を受けた能楽とは対照的なものでした。競合する一座がすぐに彼女の形式を模倣し、一世代のうちに歌舞伎は江戸（後に東京となる都市で、最終的には歌舞伎座の本拠地となる）を含む日本の他の主要都市へと広がっていきました。
二つの対照的な演技スタイルが浮かび上がる
17世紀後半までに、歌舞伎は今日の芸術形態を今なお形作る、二つの異なる演技様式に分かれていきました。荒事（「荒々しい様式」）は、江戸で市川團十郎初世によって1680年代から1700年頃にかけて発展したもので、誇張された英雄像、大げさな所作、そして鮮やかな赤や青の隈取が特徴です。一方、和事（「柔らかい様式」）は、同時期に京都・大阪地域で坂田藤十郎によって生み出され、恋愛や家庭の物語に適した、より繊細で自然な演技を重んじ、荒事で知られるような厚化粧や厚着の衣装はほとんど用いません。この二つの様式は、地域ごとに異なる観客層や嗜好から自然に生まれたものであり、その地理的な分かれ目は、今日でも特定の演目がどのように配役され、どのように上演されるかに影響を与え続けています。
なぜ、そのスタイルが今もなお重要なのか
同じ歌舞伎の演目でも、その日の午後の中で両方の様式を行き来することができます。そして、自分が観ているのがどの様式なのかを理解することで、舞台の読み解き方は大きく変わります——荒事の主人公が静止する見得のポーズは、純粋な演劇的迫力で観客を圧倒することを意図しており、一方、和事の場面では、小さく抑制された写実的な仕草を観察することが醍醐味となります。江戸の歴史的中心地に建つ歌舞伎座は、特に大胆な荒事の伝統と深い結びつきを持っていますが、現代の演目でも、一日の公演の中で対比と変化をもたらすために和事の作品が定期的に組み込まれており、訪れる人々は一度の訪問で様式の全幅を体感することができるのです。
様式美をリアリティよりも優先して
両様式に共通するのは、自然主義を意図的に排している点です。台詞は日常会話ではなく、格調高く韻律を伴った調子で紡がれ、動きは指先や手首に至るまで振り付けられ、舞台上または舞台袖の楽団による音楽がほぼ全ての場面を支え、登場や立ち回り、感情の高まりに合図を送ります。これは意図的なものであり、歌舞伎は当初から「見せること」を第一義として設計され、伝説や歴史ではなく日常の家庭生活を描いた場面であっても、感情とドラマを、日常的な自然主義の演技では到底到達し得ない規模へと高めることを目指してきました。
生き続ける、認められた伝統
歌舞伎は、ユネスコの無形文化遺産に登録されており、日本の舞台芸術の中でも、その地位を誇る数少ない芸能のひとつです。それは博物館の展示物ではなく、今も息づく生きた伝統です——新作の上演、世代を超えた配役の刷新、さらにはマンガや映画を原作とした現代歌舞伎の翻案まで、何世紀も前から受け継がれてきた古典と並んで上演されています。つまり、歌舞伎座のその月の演目は、まさに古来の素材と、現役の役者たちが生きているうちに書かれた作品とを、どちらかをより正統と見なすことなく、同じ舞台で融合させているのです。
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